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Sonho transformado em pesadelo

Por Antônio Roberto Gerin

Chapetuba Futebol Clube foi a primeira peça teatral escrita por Oduvaldo Vianna Filho (1936-1974), em 1959, levada ao palco, no mesmo ano, pelo Teatro de Arena, com direção de Augusto Boal. A montagem vem logo após o grande sucesso, em 1958, do icônico texto de Gianfrancesco Guarnieri, Eles não usam black-tie, que traz para discussão a realidade sócio-política brasileira, ao colocar nos palcos o cidadão comum que se levanta pela manhã preocupado tão somente com o seu ganha-pão. Vianinha, nome carinhoso adotado pelo pessoal do teatro, por ser ele filho do grande ator e diretor Oduvaldo Viana, pois Vianinha teria uma carreira artística ao mesmo tempo meteórica e curta. Vive sua arte em um dos piores momentos políticos do Brasil, sob a ditadura militar de 1964, que viria censurar vários de seus textos. Alguns deles, o próprio dramaturgo não viveria para vê-los encenados, inclusive sua grande obra, finalizada no leito de morte, Rasga Coração, imediatamente censurada. Crítico, inquieto, intelectualmente versátil, deixa uma obra forte e seminal, de cunho humano e social, inclusive na televisão, com o sucesso, em 1973, de A Grande Família, pela Rede Globo, série esta que seria recriada, com grande sucesso, ao longo de décadas. Mas é o Vianinha político, ciente do seu papel social como artista, que sobrevive nas suas obras.

O texto é dividido em três atos, que se passam, na sequência, durante o dia, à noite, e o último ato se encerra no dia seguinte, nos momentos finais do jogo decisivo entre Chapetuba e Saboeiro. É o campeonato que está em jogo e este é o ponto de atrito que gerará as tensões trazidas de forma hábil, pelo dramaturgo, na boca de suas personagens. São onze os jogadores, representados, evidente, para efeito de condensação, por apenas seis, Bila, Cafuné, Durval, Maranhão, Paulo e Zito. E, além de Fina, a dona da pensão, não poderiam faltar os cartolas, a alma dos conflitos e maracutaias, desde sempre, na história do futebol, aqui e acolá.

As realidades pessoais se entrelaçam numa realidade supra, o jogo decisivo de suas vidas, que poderá levá-los aos grandes estádios do país, com seus sonhos de Flamengo e Corinthians, ou ao temido anonimato. São, pois, estas tensões geradas de véspera que movem a dramaturgia do texto, centrada, como já dito, no grande confronto futebolístico que definirá o futuro dos jogadores. Mesmo que Vianinha tenha baseado a construção pessoal e social das personagens-jogadores dentro da realidade da década de 1950, mesmo passadas várias décadas, em que o futebol tornou-se um esporte cada vez mais milionário, atraindo também os filhos das classes média e alta, não podemos cair no engano de dizer que o texto é datado. Pelo contrário. A pressão por resultados e as incertezas quanto ao futuro do homem atleta são as mesmas. O futebol daqueles dias e dos dias de hoje traz dentro de sua organização o massacre emocional, com características medievalescas, onde o homem tem seu valor medido pelos resultados que produz. A ascensão e a queda formam as duas faces da mesma medalha. Esta é a grande fonte de angústias dos esportistas, e Vianinha soube explorar esta condição existencial nas personagens, dando a cada uma delas, com sua história e particularidades, a respectiva vazão.

Os seis jogadores que transitam pelas cenas trazem, cada um deles, a representatividade das angústias e ansiedades ante o jogo decisivo, do qual serão os protagonistas, na derrota ou na vitória. É o Zito, que tem a expectativa do nascimento do filho bem no dia do jogo; é o Bila, goleiro reserva de Maranhão, que terá sua oportunidade de mostrar o seu valor, colocando-se a um passo da glória ou do fracasso; é o próprio Maranhão, que se deixa vender sua honra para os cartolas, simulando uma contusão; é Durval, jogador veterano, que ainda sonha o sonho impossível de voltar a jogar no Flamengo, e que se entrega à bebida como lenitivo para suas angústias de jogador decadente; é Paulo, o jogador classe média, cuja trajetória é construída pela imprensa, sem o respectivo desempenho em campo; e Cafuné, que apresenta traços de insegurança, que confunde seu papel de protagonista na grande final com o mundo ameaçador que o cerca. Está, assim, feita a autópsia pessoal e socioeconômica dos principais jogadores do Chapetuba Futebol Clube.

Numa linguagem simples, pontuada por intenções e reticências, presa às idiossincrasias e aos costumes de um tempo e de um lugar, Vianinha se vale do futebol como fonte para discussões maiores, mostrando, com sua sensibilidade, o homem como um instrumento de algo que está além de sua capacidade de compreensão, como se cada um de nós viesse para esta vida para cumprir um papel desenhado por algum estranho, de quem pouco sabemos, mas que nos ensinou a nos resignarmos, sem, contudo, ter-nos tirado a capacidade de sentir e de nos emocionarmos, o que faz de nós feras enjauladas, incompreensíveis em seus movimentos desconectados com um mundo que gira ferozmente, alheio ao que somos e queremos. Não há como eliminar de nós a percepção de que somos títeres, e esta consciência de pequenez e inutilidade nos lança num poço de ansiedades e angústias. Vianinha, enfim, ambienta a realidade existencial do homem num campo de futebol (assunto raro na nossa literatura), como poderia ter sido numa fábrica, ou em milhares de outras situações sociais que misturam a vontade dos homens numa panela de pressão em constante ponto de erupção. Enquanto não explodimos, vamos guardando nossos estilhaços com o nosso silêncio.

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Por Alex Ribeiro

A Ceia dos Cardeais é uma peça do escritor português Júlio Dantas, concebida em 1902. É sua obra teatral mais famosa e, consequentemente, uma das peças portuguesas mais importantes do início do século XX. Foi traduzida para diversos idiomas, sendo montada em palcos de toda Europa e América do Sul. Suas estreias sempre contaram com sucesso estrondoso, fazendo com que companhias de teatro do mundo todo desejassem levar A Ceia dos Cardeais para os mais diversos palcos, devido à sua popularidade e ao já citado sucesso, amplamente conhecidos. No Brasil, grandes artistas do teatro já assinaram seus nomes no elenco e direção da peça. E fato curioso é que, na morte do ator Raul Cortez, em 2006, a TV Cultura alterou sua programação para transmitir A Ceia dos Cardeais, para prestar homenagem a um dos atores mais importantes do Brasil. Naquela montagem, Raul Cortez dava vida ao cardeal espanhol de nome Rufo, um dos três personagens da peça de Dantas. Mas A Ceia não é um produto cultural isolado de Júlio Dantas. Pode ter sido sua obra de maior sucesso, mas o autor português não pode ser reduzido apenas a isso. Dantas teve uma vida imersa em produções literárias, passando por romances, poesia, teatro, traduções e ensaios e, além disso, por uma intensa vida política, exercendo cargos dos mais diversos, como, por exemplo, o de deputado e, já na segunda metade do século XX, também o de embaixador de Portugal no Brasil.

Dantas traz ao palco três cardeais que se encontram numa sala luxuosa do Vaticano, durante o papado de Bento XIV. São eles de três localidades da Europa. Cardeal Gonzaga, de Portugal, Cardeal Rufo, da Espanha, e Cardeal Montmorency, da França. E se preparam para um jantar que é tão luxuoso quanto a sala em que se encontram. Enquanto vão se preparando para o banquete, Cardeal Rufo e Cardeal Montmorency discutem a respeito de figuras importantes da França e da Espanha, e como de alguma forma essas figuras influenciaram os papas que entraram em contato com elas. A discussão por vezes se acalora, e é o Cardeal Gonzaga quem trata de chamar os dois amigos de volta à tranquilidade.

Mas o ponto alto da peça vem justamente do momento seguinte ao da conversa de Rufo e Montmorency, quando os três anciãos vão relembrando suas respectivas histórias de amor, vividas intensamente em suas respectivas juventudes, deixando marcas inesquecíveis em cada um deles. Um amor corajoso, capaz de enfrentar inúmeros inimigos pela honra da amada, surge nas lembranças de Rufo. Um amor sedutor, capaz de conquistar a mais arredia das damas, surge nas palavras doces do francês Montmorency. E, por último, revelando e exaltando o romantismo português, o já octogenário Cardeal Gonzaga fala do seu amor singelo e inocente, amor este nascido precocemente nos seus primeiros anos de vida, mas que morrera, também precocemente, junto com sua infanta amada. Por fim, os outros dois se rendem a singela história de amor do cardeal português.

A Ceia dos Cardeais se populariza não só por se tratar de uma peça que fala do amor, mas, sobretudo, por revelar amores impossíveis, e por isso inesquecíveis, em homens que optaram por uma vida que abdica do amor romântico, em busca de uma vida voltada para os ofícios sacerdotais. Talvez seja este o grande pulo do gato de Dantas ao escrever a peça. Revelar o amor romântico que parecia impossível de existir.

Em tempos como o nosso, questiona-se a importância de se levar ao palco uma peça que apresenta essa temática. Sempre soubemos que o teatro é o palco do grito de liberdade, e falar de amor parece-nos futilidade diante de tantas mazelas a que somos submetidos. Talvez, pelo contrário, seja justamente este o momento de falar de amor, visto que amar é uma atitude de resistência no atual cenário político e social do Brasil. A prática do amor passa, mais do que nunca, a nos ser necessária para que no futuro ele, o amor, não seja só uma mera lembrança de um tempo bom que não volta mais. Como as lembranças de um velho cardeal.

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Por Alex Ribeiro

Macbeth é uma peça de William Shakespeare, escrita por volta de 1606. É uma das mais conhecidas obras do dramaturgo inglês e, com certeza, uma de suas obras primas. Apesar de ser uma de suas tragédias mais curtas, Macbeth é uma das peças mais montadas de Shakespeare, além de ter recebido inúmeras adaptações para o cinema. Seus dois personagens principais, Macbeth e Lady Macbeth, estão entre os mais cobiçados papeis do teatro, e já foram interpretados pelos mais diversos e grandiosos atores e atrizes. Recentemente, a Cia Brasiliense de Teatro levou um belo Macbeth aos palcos de Brasília, com direção de James Fensterseifer, no elenco André Amaro e Fernanda Cabral, ainda Abaetê Queiroz e Marcos Davi. Portanto, trata-se de uma obra teatral que sobrevive aos séculos devido à sua beleza artística e profundidade humana. Macbeth traz à cena dois pontos de tensão que são capazes de desencadear todos os tipos de tragédias. De um lado, vemos a tensão política, forças opostas se digladiando pelo trono, um reino que anseia por voltar ao equilíbrio, com a necessidade de se preservar a figura do rei; e, do outro lado, temos as dimensões psicológicas de Macbeth que fazem com que ele, ainda duque, atue para que seu desejo pessoal, o de se tornar rei, seja satisfeito a qualquer custo. O conflito está desenhado. Macbeth terá de violar muitos pactos políticos, e até pessoais, para ver seu desejo de ser rei atendido.

Logo no início da peça, após ter vencido uma importante batalha, Macbeth fora avisado por feiticeiras de que se tornaria rei, no futuro. Ao regressar para casa, ele narra à sua esposa, Lady Macbeth, o que ouvira das feiticeiras, e os dois se embevecem na sede de poder que deles toma conta. A partir daquele momento, eles não iriam mais esperar que a sorte fizesse com que o reino chegasse até Macbeth. Os dois iriam, eles mesmos, chegar até o trono. Por ocasião de seus feitos na guerra, Macbeth já se tornara o homem mais importante e poderoso da Escócia, depois do Rei Duncan. Não faltam muitos degraus para se chegar à coroa. É preciso, portanto, derramar sangue, mas, desta vez, não em guerra, e sim através de um golpe. E o rei, agora, não está mais vivo. O golpe tem o caráter ilusório de que o jogo político segue incólume aos olhos de quem vê, mas, aos olhos de quem enxerga, as mãos do golpista se revela ensanguentada. A tragédia dá mais um passo.

Após tramar e executar o assassinato de Duncan, Macbeth é coroado o rei da Escócia. Porém, o seu reinado é perturbado por uma inquietação que passaria a comandar suas bárbaras ações. Esta inquietação tem origem, também, na profecia das feiticeiras. Após aquela mesma batalha, onde Macbeth recebera o vaticínio de sua chegada ao trono, o seu amigo Banquo, companheiro de batalha, recebera também uma profecia. Banquo seria o pai de uma linhagem de muitos reis, enquanto Macbeth seria um rei sem linhagem. De amigo, Banquo passa a ser um perigo para o novo rei, afinal, segundo as profecias, os seus descendentes ocupariam o trono de Macbeth. Mais mortes ensanguentariam as mãos de Macbeth.

Mergulhado em tirania e loucura, causadas pelos assassinatos que cometera, Macbeth cai em profundo sofrimento. Seu poder vai ruindo conforme seus aliados o abandonam, e quanto mais se vê nessa situação, mais sangue jorra da sua tirania. Até que tudo seja interrompido por uma nova guerra. Após ter perdido toda a família numa chacina ordenada pelo já ensandecido rei, Macduff, aquele que notara o golpe do impostor, é quem vai dar fim ao sofrimento e tirania de Macbeth,. A ambição e a arrogância são o caminho para que a espada da vingança lhe tire a vida. É o fim de Macbeth, sem herdeiros ao trono.

Os Macbeths existem ainda hoje. Alguns caminham sossegados pelas calçadas, outros tramam conspirações nos passeios palacianos, outros ainda estão sentados em confortáveis cadeiras de gabinetes, seja num alto cargo de uma boa empresa, seja numa praça de três poderes. Eles continuam lá, tramando, executando, tiranizando. E vale lembrar que eles são inimigos do teatro. O são, pois o teatro revela o sangue, a espada e o assassino. O teatro joga luz sobre os conflitos mais subterrâneos em que as artimanhas humanas nos colocam. E é por isso que é preciso persegui-lo, desmantelá-lo, ridicularizá-lo. Mas, assim como a coroa, o teatro não é uma pessoa. É maior. Persigam os seus artistas, sufoquem-nos. Ainda assim, o teatro continuará lá, como um trono, até que os próximos artistas venham ocupá-lo.

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